martes, 20 de octubre de 2009

Powerhouse, de Raymond Scott

Raymond Scott (Brooklyn, Nueva York, 1908) nació en el seno de una familia de inmigrantes ruso-judios con el nombre de Harry Warnow. De formación musical clásica, estudió piano, teoria y composición musical, su carrera comenzó en 1931 como pianista en la bande de la CBS Radio, donde su hermano mayor Mark dirigía la orquesta. Adoptaría su nombre artístico de Raymond Scott para evitarle a su hermano acusaciones de favoritismo.

En 1936 formó una orquesta con cinco compañeros de CBS a la que llamó The Raymond Scott Quintet, a pesar de que con él eran seis músicos. Era un intento de Scott de revitalizar la música swing mediante arreglos muy ajustados y sin permitir apenas la improvisación habitual en el jazz, creando lo que llamó "jazz descriptivo". Componía e interpretaba de oido, indicando a los músicos melodias, o mediante demostraciones de riffs y ritmos en el teclado para instruir a su orquesta como debía cada uno tocar su parte. Cuando componía una pieza iba añadiendo o quitando pasajes, tomando partes de otras canciones propias y siempre con la ayuda de la orquesta, que podía improvisar en el proceso. Una vez que la canción estaba acabada, quedaba fijada y ya no había posibilidades de cambios o improvisaciones. El quinteto, durante los años 1937 a 1939, creó canciones que, aunque no gustaron a los críticos puristas de jazz, entusiasmaron al público y se vendieron por millones.

Una de esas canciones, que no fue la más popular en su momento, fué Powerhouse. Interpretada por primera vez en público en un programa de la CBS a finales de enero o principios de febrero de 1937, el quinteto la grabó el 20 de febrero de 1937 para el sello Master Records, que la público con junto con The Toy Trumpet.


Powerhouse, The Raymond Scott Quintet

La estructura de Powerhouse consiste en la alternancia de dos temas distintos tocados con distintos tempos. El primer tema (A) es muy rápido, mientras que el segundo (B) es lento pero muy repetitivo. Los dos temas en la canción van siempre en una secuencia A-B-A. En toda la canción la melodía la llevan los instrumentos de viento, saxo, trompeta y clarinete, obligados a llevar un ritmo muy rápido impuesto por el piano de Raymond Scott, el bajo y la bateria.

Powerhouse se haría muy famosa pasado el tiempo cuando el director musical de Warner decidió utilizar la musica de Raymond Scott para los cortos de animación. Se utilizaría en muchos cortos, la parte rápida en escenas de persecuciones, y la lenta en escenas de movimientos repetitivos y mecánicos.


viernes, 25 de septiembre de 2009

Judy Is A Punk, de Ramones

"Jackie es un punk
Judy es una enana
Ambos se fueron a Berlin y se unieron a Ice Capades
Y no sé por qué, no sé por qué
Quizá ellos mueran, quizá ellos mueran, oh si"

Judy Is A Punk es el tercer corte del primer Lp de Ramones (Sire, 1976) y fue compuesta por Joey y Dee Dee. Tiene la una estructura extremadamente simple, formada por solamente tres estrofas, el final de las mismas funcionan como estribillos al repetirse varias veces el último verso, esto es, estrofa-estribillo, estrofa-estribillo, estrofa-estribillo. Musicalmente es igual de simple, cada estrofa tiene el mismo riff de guitarra, que comienza con un acorde en la introducción y el primer verso, para cambiar a dos acordes en los siguientes versos, es decir, tres acordes para toda la canción, acompañados por una línea de bajo con el mismo esquema y una bateria que no cambia de ritmo en el minuto y medio que dura la canción.


Judy Is A Punk, Ramones

La letra habla de dos fans de Ramones, Jackie y Judy, que seguían al grupo a todas partes. La primera estrofa dice que en B
erlin se unieron a Ice Capades, que era un espectaculo de patinaje sobre hielo que giro por Europa. En la tercera estrofa se cuenta que en San Francisco se unieron al SLA, el Symbionese Liberation Army, un grupo revolucionario radical activo durante los años 1973 a 1975 que se dedicó a atracar bancos, cometió un par de asesinatos y se hizo famoso sobre todo por el secuestro de Patty Hearst, que luego se uniría al grupo. El estribillo dice que Jackie y Judy quizá mueran, se dió la casualidad de que murieron en un accidente de aviación, según se afirma en el documental End Of The Century: The History Of The Ramones.

Ice Capades



El SLA atracando un banco en 1974

Jackie is a punk judy is a runt
They both went down to berlin, joined the ice capades
And oh, I dont know why oh, I dont know why
Perhaps theyll die, oh yeah perhaps theyll die, oh yeah
Perhaps theyll die, oh yeah perhaps theyll die, oh yeah

Second verse, same as the first
jackie is a punk judy is a runt
They both went down to berlin, joined the ice capades
And oh, I dont know why oh, I dont know why
Perhaps theyll die, oh yeah perhaps theyll die, oh yeah
Perhaps theyll die, oh yeah perhaps theyll die, oh yeah

Third verse, different from the first
jackie is a punk judy is a runt
They both went down to frisco, joined the sla
And oh, I dont know why oh, I dont know why
Perhaps theyll die, oh yeah perhaps theyll die, oh yeah
Perhaps theyll die, oh yeah perhaps theyll die, oh yeah

domingo, 19 de julio de 2009

Ghost Riders In The Sky, por Stan Jones

"Sus marcas seguían ardiendo, y sus pezuñas eran de acero
Sus cuernos eran negros y brillantes y podía sentir su aliento caliente..."

Stan Jones
(Douglas, Arizona, 1914) creció en ranchos de vacas, rodeado de cowboys y de la belleza del desierto. Cuando murió su padre se mudó con su familia a Los Angeles, pero siempre se mantuvó en contacto con el mundo de los cowboys participando en rodeos durante su tiempo libre. En 1934 empezó a trabajar, pasando por distintos trabajos hasta que se convirtió en bombero forestal, y fue destinado en distintos parques naturales en el oeste de Estados Unidos.

Su mujer Olive le regaló una guitarra Martin, con la que componía canciones. Cuando estaba destinado en Death Valley, el día de su 34 cumpleaños recordó que con 12 años ante una impresionante tormenta un viejo cowboy le contó que detrás de los rayos, si se miraba con atención se podía ver una estampida de vacas del infierno perseguidas por jinetes fantasmas. Utilizó la historia para componer Ghost Herd In The Sky. La melodía de la canción está inspirada en la de una canción sobre el regreso de la guerra de los seres queridos compuesta por Patrick Gilmore (Irlanda, 1929) durante la Guerra Civil Americana llamada When Johnny Come Marching Home, que a su vez toma la melodía de una canción tradicional irlandesa de principios del siglo XIX anti belicista y anti reclutamiento llamada Johnny I Hardly Knew Ye. Ambas canciones han conocido versiones de todo tipo, desde artistas de folk hasta grupos de rock


Johnny I Hardly Knew Ye,
Clancy Brothers & Tommy Makem


When Johnny Come Marching Home, John Young

Stan se encargó de representar al Servicio de Parques en el rodaje del western Walking Hills (John Sturges, 1949), el equipo de rodaje escuchó sus canciones y le animó a llevar sus canciones a un editor en Los Angeles. Ghost Herd In The Sky interesó a Burl Ives (Illinois, 1909) y la grabó en febrero de 1949. Cuando el master estaba acabado alguien llamó a Vaughn Monroe (Akron, Ohio, 1911) y se lo puso, este se fué a Los Angeles y grabó una versión en marzo del mismo año, que se publicó como Ghost Riders In The Sky (RCA Victor Records) adelantándose a Ives. La versión de Burl Ives era más rapida, con dos guitarras y el apoyo de una sección de cuerdas y la publicó Columbia. Vaughn Monroe hizo una versión más lenta, con orquesta y el apoyo de un cuarteto vocal en los coros (los famosos "yippie-i-oh. yippie-i-ay"), todo esto, junto con la voz grave de Monroe le da un tono mucho más solemne. Monroe llegó al número 1 de las listas de éxitos y la suya se convirtió en la versión prototípica de la canción.


Ghost Riders In The Sky, Burl Ives


Ghost Riders In The Sky, Vaughn Monroe

El famosísimo Bing Crosby (Tacoma, Washington, 1903) llegó al puesto 14 de las listas con su versión del mismo año1949 publicada por Decca, grabada con acompañamiento de guitarras y el apoyo vocal de The Ken Darby Singers. También en 1949 Peggy Lee (Jamestown, Dakota del Norte, 1920) hizo una versión , la primera con voz femenina, con acompañamiento de Dave Barbour & His Orchestra y con el apoyo de The Jud Conlon Singers. El grupo especializado en canciones de cowboys Sons Of The Pioneers también sacaron su versión en 1949 con su estilo caracterizado por las tres voces principales que se convierten en una y un impresionante apoyo instrumental.


Ghost Riders In The Sky, Bing Crosby


Riders In The Sky (A Cowboy Legend), Peggy Lee


Ghost Riders In The Sky, Sons Of The Pioneers

Para mucha gente la mejor versión es la que grabó en 1979 Johnny Cash (Arkansas, 1932), muy similar a la de Monroe, sobre todo por la voz grave de Cash, que canta a la vez que narra la historia del vaquero que se encuentra a la estampida infernal perseguida por las almas de otros vaqueros condenados por llevar una vida de pecadores, aunque con más presencia de las guitarras, teclado y la sección de vientos y con coros femeninos.


Ghost Riders In The Sky, Johnny Cash

An old cowboy went ridin' out one dark and windy day

Upon a ridge he rested as he went along his way

When all at once a mighty herd of red-eyed cows he saw

Plowin' through the ragged skies, and up a cloudy draw


Their brands were still on fire, and their hooves were made of steel

Their horns were black and shiny and their hot breath he could feel

A bolt of fear went through him as they thundered through the sky

For he saw the riders comin' hard, and he heard their mournful cry



Yipie i-oh, yipie i-ay! Ghost herd in the sky



Their faces gaunt, their eyes were blurred their shirts all soaked with sweat

They're ridin' hard to catch that herd, but they ain't caught 'em yet'

'Cause they've got to ride forever on that range up in the sky

On horses snorting fire, as they ride on, hear their cry



Yipie i-oh, yipie i-ay! Ghost riders in the sky



As the riders loped on by him, he heard one call his name

"If you want to save your soul from hell a riding on our range

Then cowboy change your ways today, or with us you will ride

Tryin' to catch the devil's herd, across these endless skies"


Yipie i-oh, yipie i-ay! Ghost riders in the sky

Ghost riders in the sky

Ghost riders in the sky

domingo, 5 de julio de 2009

Don´t Be Angry, por Nappy Brown

Napoleon "Nappy" Brown Culp (Charlotte, Carolina del Norte, 1929) fue uno de los primeros cantantes en emplear las técnicas y recursos del canto gospel que aprendió en la iglesia en el y blues y rhythm and blues. Desde los 9 años cantaba en el coro de la iglesia junto a su padre, con 16 años formó su primer grupo de gospel, The Golden Crows, junto a unos vecinos y luego formó parte de un par de grupos más de gospel más importantes, The Golden Bell Quintet y The Selah Jubilee Singers.


I Want Jesus To Walk Around My Bedside, The Shelah Jubilee Singers


Aunque su madre llamaba al blues "la música del Diablo" Napoleon admiraba a cantantes de blues como el pianista Charles Brown (Texas, 1922) o el saxofonista Eddie "Cleanhead" Vinson (Houston, Texas, 1917) , que por su manera de cantar fue una gran influencia para el joven Napoleon.

Someone Done Stole My Cherry Red, Eddie Cleanhead Vinson

Para formar parte de The Heavenly Lights se trasladó a Nueva Jersey, que le llamaron para realizar una prueba para Savoy Records (Nueva Jersey). La prueba fue bien y el jefe de Savoy, Herman Lubinsky contrató al grupo, pero a Napoleon le propuso convertirse en cantante de rhythm and blues, cambiándole el nombre por el más corto Nappy.

Nappy tenía una canción lista para grabar con la que había entusiasmado al público de un concurso de talentos locales llamada Lemon Squeezin' Daddy, pero resultaba muy lasciva para Savoy, así que su debut fué That Man, una canción humorística en la que alterna distintos tonos de voz.


That Man, Nappy Brown

En la primavera de 1955 Nappy grabó el que sería su gran éxito Don't Be Angry, compuesto a medias con Rose Marie McCoy (Arkansas, 1922) y Fred Mendelsohn. En principio se concibió como una balada en el estilo de grupos vocales como The Orioles, pero Nappy cambió el estilo totalmente, convirtiéndola en una canción de baile. Empieza con el saxo de Sam "The Man" Taylor (1912), uno de los mejores músicos de sesión de Nueva York, batería, piano, guitarra y contrabajo. La voz de Nappy Brown entra con lo que sería uno de los trucos caractísticos de su estilo, la repetición de unas silabas("li-li-li-li-li..."), desplegando una serie de trucos con la voz como el vibrato (variar la frecuencia y amplitud de una nota) o melisma (modular la altura de una silaba musical). Tras el segundo estribillo destaca el solo de saxo que realiza Taylor. La canción consiguio mantenerse 3 semanas en el segundo puesto de las listas de rhythm and blues.

Don't Be Angry, Nappy Brown

En 1957 el grupo vocal blanco de Canadá The Crew Cuts realizó una versión más suave de Don´t Be Angry, con orquesta y arreglos vocales más cercanos al jazz suave para el mercado blanco que al rhythm and blues negro de baile del original, consiguiendo entrar en las listas de éxitos.


Don't Be Angry, The Crew Cuts

Otra versión fue la que realizó el grupo de ska inglés Bad Manners en su albúm más popular Gosh Its... Bad Manners (Magnet, 1981), por supuesto que cambiándo el ritmo por el típico ska rápido de los grupos ingleses de la época, con una potente sección de vientos y con la rasposa voz del lider de la banda, Buster Bloodvessel (Londres, 1958), carente de los matices de la voz de Nappy Brown, pero igualmente festiva.


Don't Be Angry, Bad Manners

sábado, 30 de mayo de 2009

Runaround Sue, por Dion

"Ah, a ella le gusta salir por ahí,
Te amará pero te hundirá,
Gente, dejadme avisaros,
Le gusta salir con otros tipos."

Arthur Avenue en Nueva York y sus alrededores es conocida tradicionalmente como
Little Italy debido a la cantidad de familias italoamericanas que habitan allí. Dion Francis DiMucci (Nueva York, 1939) era uno de los chicos que se criaron en esas calles. Sus primeros contactos con la música fue en las reuniones familiares donde todos cantaban canciones tradicionales italianas y canciones de moda americanas y donde Dion destacaba por su voz. A los 10 años ya escuchaba en la radio las que serían sus primeras influencias musicales como el cantante de country Hank Willians (Garland, Alabama, 1923), o grupos de doo-wap y rhythm and blues (The Cadillacs, The Spaniels, etc...).


Hey Good Lookin', Hank Willians

Con 13 años se hizo miembro de una banda callejera llamada Fordhan Daggers, ya bebía alcohol y fumaba marihuana. Con 15 años empezo a consumir heroina, adicción que arrastaría hasta mediados de los años 60, lo que provocó numerosos altibajos a lo largo de su carrera. A pesar de todo Dion siguio cantando y empezó a actuar en salones de baile del Bronx, lo que, en su opinión le salvó de convertirse en un delincuente habitual.

En 1957 hizo una audición cantando Wonderful Girl del grupo de doo-wap negro de Connecticut The Five Satins para Bob y Gene Schwartz, que acababan de crear Mohawk Records, para los que grabó la voz principal de The Chosen Few a la que se unió una grabación de los coros por el grupo vocal The Timberlanes dirigidos por Hugo Montenegro. Era una balada con arreglos de viento y piano y coros muy suaves en la que Dion demuestra tener una gran voz pero no ha desarrollado todavía un estilo y personalidad propia.


Wonderful Girl, The Five Satins


Chosen Few, Dion and The Timberlanes

Mohawk Records también había publicado un single con las canciones Teenage Clementine/Santa Margherita de un trío vocal influido por el doo-wap de grupos de raza negra, llamado The Belmonts y que también provenía de Little Italy, de Belmont Avenue, de ahí su nombre. Estaba formado por Angelo D'Aleo (1940) primer tenor, Fred Milano (1939) segundo tenor y Carlo Mastrangelo (1938), todos pertenecían a una banda rival de la de Dion, llamada Imperial Hoods. Esto no impidió que Dion se convirtiera en la voz principal del grupo, en 1958 publican, ya como Dion and The Belmonts el single I Wonder Why (Laurie Records), una canción compuesta por Maxwell Anderson y Ricardo Weeks alegre y rápida, donde Dion desarrolla un estilo de canto más salvaje, que llegó al puesto 22 de la lista de éxitos Billboard Hot 100.

video
I Wonder Why, Dion And The Belmonts

Tras participar en la gira Winter Dance Party con Buddy Holly, Richie Valens y The Big Bopper en marzo de 1959 Dion And The Belmonts publican el single Teenage In Love (Laurie), una balada suave compuesta por Doc Pomus (Brooklyn, Nueva York, 1925) y Mort Shuman (Brooklyn , Nueva York, 1936) en la que un adolescente expresa su frustración, dolor y perplejidad por las dificultades que conlleva el amor. Consiguieron el puesto 5 en el Billboard Hot 100.


A Teenager In Love, Dion And The Belmonts

A principios de 1960 Dion ingresó en un hospital para librarse de su adicción a la heroina. Dificultades como diferencias financieras y artísticas (The Belmonts preferían continuar con el doo-wop, pero Dion prefería el rock and roll) hicieron que Dion abandonara a The Belmonts en octubre de 1960 para comenzar una carrera en solitario.

Los primeros single que sacó en solitario no tuvieron gran éxito, por lo que tuvo que trabajar el circuito de cabarets. En 1961 Dion conoció a Ernie Maresca (Nueva York, 1939), vecino de Litle Italy, que había cantado y escrito canciones para el grupo de doo-wop The Regents y que había proporcionado alguna canción para The Belmonts.

El primer fruto de la colaboración entre Dion y Maresca fue la composición de Runaround Sue (Laurie, 1961), coescrita por ambos. En la grabación, producida por Gene Schwartz, Dion tuvo como grupo de apoyo a The Del-Satins, un grupo vocal de Manhattan. Tiene un tempo más rapido que las baladas que había grabado hasta entonces y prescinde de las harmonías vocales, dándose más importancia al ritmo de la batería y al sonido de los instrumentos. Es decir, deja de lado el estilo doo-wop para realizar un rock and roll. Los coros de The Del-Satins con actitud festiva y dando palmas y los arreglos instrumentales con el sonido del saxo dominando fueron copiados del éxito de Gary U.S. Bonds Quarter To Three, un single que había sido distribuido por la propia Laurie Records y que en junio de 1961 llegó al número 1 de las listas de éxitos. Pero lo que destaca en Runaround Sue es la voz, con un estilo duro y la actitud de descaro y seguridad que exhibe Dion, que hizo que miles de adolescentes se identificaran con él. Runaround Sue llegó al número 1 del Billboard Hot 100 en octubre de 1961.

Quarter To Three, Gary U.S. Bonds

Runaround Sue, Dion

La letra describe de forma un poco dramática el enamoramiento del protagonista de la canción por su ex novia Sue, que le gusta salir con distintos chicos y se aleja cada vez más de él, lo que le causa gran dolor.

Here's my story sad but true,
It's about a girl that I once knew
She took my love and ran around

With every single guy in town.

I should have known it from the very start,
This girl will leave me with a broken heart.
Now listen people what I'm telling you

A keep away from Runaround Sue.


I miss her lips and the smile on her face,
The touch of her hair and this girl's warm embrace.
So if you don't wanna cry like I do

A keep away from a Runaround Sue.

Ohhhh, keep away from that girl,

I don't know what to do, keep away from Sue


Ah, she likes to travel around, yeah
She'll love you but she'll put you down.

People let me put you wise,

Sue goes out with other guys.


Here's the moral and the story from the guy who knows,
I fell in love and my love still grows.
Ask any fool that she ever knew, they'll say

Keep away from Runaround Sue.


Mucho más sobre doo-wop en Doo-Wop Now.

jueves, 14 de mayo de 2009

Wrong 'Em Boyo, por The Clash

Lee Shelton (Sant Louis, 1865), más conocido como Stagger Lee, era un personaje de cuidado que a finales del siglo XIX se movía por los bajos fondos de Sant Louis. Afroamericano, conductor de carruajes también pertenecía a un grupo de proxenetas conocidos como los "Macks". El 27 de diciembre de 1865, discutió por política en un saloon con su amigo Billy Lyons, estando ambos bebidos, la discusión fue a más, Billy le quitó su sombrero y Stagger Lee le asesinó disparándole en el abdomen. La historia aparecio en los peridicos, pronto hubo una canción acerca del suceso que se extendió por todo el sur siguiendo las líneas del ferrocarril y los barcos de vapor del Mississippi. Stagger Lee se convirtió en el prototipo de delincuente negro, duro, cruel y malvado.

Aunque se grabaron muchas versiones anteriores, en distintos estilos y
con distintas letras, la que se considera como definitiva es la que grabó Mississippi John Hurt (Mississippi, 1892), titulada Stackolee, ya que contiene todos los elementos importantes de las versiones anteriores. Hurt era un bluesman rural negro que la interpreta simplemente con su voz acompañada por su guitarra con un ritmo similar al ragtime.


Stackolee, Mississippi John Hurt

A lo largo de los años la canción fue grabada por multitud de músicos, pero no fue hasta 1958 que adquirió popularidad en todo Estados Unidos gracias a la versión que hizo Lloyd Price (Nueva Orleans, 1933). Pianista y trompetista muy influido por la gran tradición de rhythm and blues de Nueva Orleans, su versión introducia un ritmo alegre y una melodía muy pegadiza reforzada por los coros mixtos y arreglos de vientos que usa. Se publico en la cara B de su single para ABC Records You Need Love, pero los DJ's de las radios preferian pinchar Stagger Lee, llegando a vender 200.000 copias en un día, por lo que ascendio al número 1 de las listas de pop y rhythm and Blues.


Stagger Lee, Lloyd Price

La isla caribeña de Jamaica siempre estuvo influenciada musicalmente por Estados Unidos, sobre todo por las músicas de raices negras, debido a que se recibían muchas emisoras de radio americanas. Por supuesto los músicos jamaicanos adaptaban estas influencias a los ritmos propios de la isla. En 1967 el grupo jamaicano de rocksteady The Rulers hicieron una versión de Stagger Lee que titularon Wrong 'Em Boyo firmada por Clive Alphonso para el productor Karl J.J. Johnson. Empieza con una introducción de piano de ragtime con una guitarra marcando un ritmo sincopado en un tempo lento que se mantiene durante la canción. La introducción acaba abruptamente y la canción continua sin el piano de ragtime, con guitarra, percusión y voces. Reescriben la letra dandole un sentido completamente distinto, en esta versión Stagger Lee aparece como el héroe de la historia y Billy como el villano. La canción se publicó como single para el sello R.I.O. en Inglaterra.


Wrong 'Em Boyo, The Rulers

A finales de los años 60 en Jamaica la pobreza, delincuencia y marginalidad aumentó notablemente, por lo que numerosas familias jamaicanas inmigraron a Inglaterra buscando una vida mejor sobre todo en los puertos pesqueros y en el sector de la construcción. Los jovenes procedentetes de Jamaica pronto tomaron contacto con los jovenes ingleses de los suburbios obreros de las grandes ciudades. Uno de estos jóvenes era Paul Simonon (Londres, 1955), que nació y creció en Brixtón, un barrio obrero con gran población jamaicana. Junto con Joe Strummer (Ankara, Turquia, 1952), hijo de un diplomático inglés, Mick Jones (Londres, 1955), también de Brixtón, y Topper Headon (Kent, 1955) formaban el grupo The Clash.

The Clash se formaron en 1976 en Londres y era un grupo con estilo de orientación punkrock, sus dos primeros Lps, The Clash (CBS, 1977) y Give 'Em Enough Rope (CBS, 1978) están claramente influenciados por el movimiento punkrock y grupos como Ramones y Sex Pistols. Para su tercer trabajo, el doble Lp London Calling (CBS, 1979) decidieron ampliar su registro añadiendo elementos de estilos como el rockabilly, rhythm and blues, ska, reggae y la música disco. Se grabó en los Wessex Sound Studios de Londrés bajo la producción de Mick Jones y Guy Stevens (Londres, 1943), que había trabajado con grupos importantes de los 60 como The Rolling Stones, The Small Faces o The Who y que tenía grandes conocimientos acerca del rhythm and blues americano y del soul. Gracias a que habían preparado previamente las canciones ensayando y con maquetas el disco entero se grabó en pocas semanas, algunas canciones en una o dos tomas.

Para el primer corte de la tercera cara del disco hicieron una versión de Wrong 'Em Boyo. En la introducción de la canción predomina el sonido de un órgano Hammond a cargo de Mick Gallagher, miembro de Ian Dury & The Blockheads, y vientos por The Irish Horns, más voz guitarras, bajo y batería todo a ritmo lento de ragtime. Como en la versión de The Rulers la introducción acaba abruptamente, tras una breve pausa unos acordes rápidos de guitarra a ritmo sincopado anuncian el comienzo de la parte de ska de la canción.

El órgano y los vientos llevan el protagonismo de la canción, conduciendo la melodía principal junto con la voz de Strummer a la vez que ayudan a marcar el ritmo junto a las guitarras bajo, batería y percusión. Los arreglos de la sección de vientos, que no aparecen en la versión de The Rulers, parece copiada casí exactamente de la canción Sea Cruise, un rhythn and blues compuesto en 1959 por el músico de Nueva Orleans Huey Piano Smith. Aunque en un principio se grabó a nombre de Huey Piano Smith & The Klowns, el sello Ace Records consideró que sería más comercial con la voz de un adolescente por lo que quitó la voz del cantante habitual Bobby Marchan y añadió la de Frankie Ford (Louisiana, 1939).


Sea Cruise, Frankie Ford And Huey Piano Smith & The Klowns


Wrong 'Em Boyo, The Clash


Wrong 'Em Boyo, The Clash en directo 27/02/1980

Stagger Lee met Billy and they go down to gambling


Stagger Lee throwed seven

Billy said that he throwed eight

So Billy said, hey Stagger! I'm gonna make my big attack

I'm gonna have to leave my knife in your back


Why do you try to cheat?

And trample people under your feet

Don't you know it is wrong?

To cheat the trying man

Don't you know it is wrong?

To cheat the trying man

So you better stop, it is the wrong 'em boyo


You lie, steal, cheat and deceit

In such a small, small game

Don't you know it is wrong

To cheat the trying man

Don't you know it is wrong

To cheat the trying man

You'd better stop, it is the Wrong 'Em Boyo


Billy Boy has been shot

And Stagger Lee's come out on top

Don't you know it is wrong

To cheat the trying man

Don't you know it is wrong

To cheat Stagger man

You'd better stop

It is the Wrong 'Em Boyo


You must start all over again-all over again

don't you know it is wrong

You got to play it, Billy, play,

don't you know it is wrong

you got to play it, Billy, play

And you will find it is the right 'em boyo


But if you must lie and deceit

And trample people under your feet

Don't you know it is wrong

To cheat the trying man

Don't you know it is wrong

To cheat the trying man

You better stop.

It is the wrong 'em boyo


The Clash fue uno de los grupos más influyentes dentro del punkrock de los 80 en Euskadi, en grupos que mezclaban el punkrock con el ska como Kortatu o Korroskada. El grupo de Bilbao Skalope hicieron una versión de Wrong 'Em Boyo títulada Mal rollo en su Lp Derrigor (Discos Suicidas, 1989).


Mal rollo, Skalope

martes, 12 de mayo de 2009

Señora Azul, por Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán

En 1974 cuatro músicos españoles con experiencia en distintos grupos se unieron para crear un nuevo proyecto. Juan Robles Cánovas (Madrid, 1949) había sido batería en Los Módulos y Franklin, Rodrigo García (Sevilla, 1947) formó parte de Los Pekenikes y Solera, Adolfo Rodríguez (Ponferrada, 1948) fue guitarra y cantante de Los Iberos y José María Guzmán (Madrid, 1952) provenía también de Solera. Tomando como modelo al grupo americano Crosby, Still & Nash decidieron llamarse Canovás, Rodrigo, Adolfo y Guzmán.

En el mismo año grabaron su primer Lp
Señora Azul (Hispavox, 1974) bajo la direccion del productor del sello Rafael Trabucchelli (Milán), músico de vital importancia en la historia del pop en España, ya que desde que fue contratado en 1965 como productor en Hispavox hasta 1975 grabó unos 1300 sencillos y Lps, teniendo una gran cantidad de éxitos, con ayuda del arreglista Waldo de Los Ríos y el ingeniero de sonido Mike Lewellyn Jones. Trabucchelli era un productor puntilloso, con un gran dominio de la técnica y creó el llamado sonido Torrelaguna (en referencia a los estudios que Hispavox tenía en una nave de más de 200 metros en la madrileña calle Torrelaguna), caracterizado por un sonido diafano, potentes secciones de viento y elegantes instrumentaciones.

La canción
Señora azul, que da nombre al Lp, y que aparece como corte final del disco es una composición de Rodrigo García. Es un medio tiempo que comienza con una sencilla introducción de piano para a continuación entrar la voz de Guzmán y la batería. Al finalizar la segunda estrofa comienza el primer puente o variación de la melodía, donde entran las voces de Rodrigo y Adolfo haciendo coros, y en la siguiente estrofa se incorpora una sección de vientos para apoyar al piano seguida de otro puente igual que el anterior. En la cuarta estrofa la voz principal pasa a ser la de Cánovas, con un estilo mucho más cercano al soul negro, sensación que se refuerza al introducirse un sonido de organo. Cuando acaba de cantar la cuarta estrofa suenan todos los instrumentos predominando los vientos durante medio minuto aproximadamente hasta que acaba la canción, mientras Cánovas tararea alguna parte de la melodía.


Señora azul, Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán

La letra de la canción hace referencia a los críticos de música, o de arte en general, que, instalados comodamente en un periódico, radio o televisión, se permiten dictar los gustos de los demás, muchas veces llevados por la ignorancia, indocumentación y frustración por carecer del talento para ser ellos los artistas.


Señora azul, que sin contemplación,
Desde la cima de tu dignidad
Vas a imponer tu terca voluntad
Y con tu opinión medir nuestro criterio.

Señora azul, que ciega la razón,
Dejas sentir tu olímpico desdén,
Es sugestión tu alarde de saber,
Tu realidad es sólo confusión.

Tú no puedes apreciar con propiedad
El color de la cuestión,
Porque desde la barrera sueles ver
Toros que no son y que parecen ser.

Señora azul, de vicio criticón,
Sin dar la talla de profesional.
Señora azul, ¡qué lastima nos das!
La mediocridad está en tu corazón.

Tú no puedes apreciar con propiedad
El color de la cuestión,
Porque desde la barrera sueles ver
Toros que no son y que parecen ser
Señora azul.

Señora azul, que sin contemplación,
Desde la cima de tu dignidad
Vas a imponer tu terca voluntad
Y con tu opinión medir nuestro criterio.

Señora azul, sabemos tu intención,
La frustración que te hace obrar así.
Señora azul, ¡qué lastima nos das!
La mediocridad está en tu corazón.



sábado, 9 de mayo de 2009

Louie Louie, por The Kinks

El grupo inglés The Kinks se inspiraron en la versión de The Kingsmen de la canción de Richard Berry Louie Louie para crear su gran éxito de agosto de 1964 You Really Got Me. En octubre de ese mismo año decidieron grabar su propia versión de Louie Louie con su productor habitual, Shel Talmy en el estudio 2 de los Pye Studios. Fue publicada en la cara A de su primer Ep, Kinksize Session (Pye, noviembre 1964).

The Kinks hacen una versión más lenta y con un sonido ligeramente más suave, sobre todo en la parte vocal y en las guitarras, con menos distorsión, que la de The Kingsmen. Prescinden de teclados y cambian algún acorde, el ritmo y el solo de guitarra. Por supuesto la interpretación en directo es más dura y rápida que en el estudio.


Louie Louie, The Kinks



Louie Louie
, The Kinks, directo en Francia (1965)

sábado, 2 de mayo de 2009

He's So Fine, por The Chiffons

Tres chicas del James Monroe High School, en el barrio de Bronx, en Nueva York formaron en 1960 el trío vocal The Chiffons. Ellas eran Judy Craig (Nueva York, 1946), voz principal, Patricia Bennet (Nueva York, 1947) y Barbara Lee (Nueva York, 1947).

Un día, después de clase mientras ensayaban en el comedor del colegio, les escucho un cantante y compositor llamado Ronnie Mack. A Mack le gustó sus voces y les preguntó si les gustaria ir a un estudio y grabar una de sus composiciones. Aceptaron por que les gustaría saber como sonarían en una grabación, y en una hora grabaron la canción. Las chicas se graduaron en la escuela y empezaron a trabajar, olvidandose de la canción.

Pero Ronnie Mack se dedicó a visitar todas las editoras musicales con sus composiciones y demos. Una de las oficinas de que visitó fué la del grupo The Tokens en Brodway, que después de tener un millón de ventas en 1961 con la canción The Lion Sleep Tonight para RCA, habían firmado un contrato como productores con Capitol Records. Jay Siegel quedó impresionado por el lenguaje coloquial de las letras de Mack y su talento compositivo. Decidieron que iban a grabar Oh, My Lover como cara A de un single.

Ronnie Mack buscó a The Chiffons y les propuso que aceptaran a Silvya Peterson (Nueva York, 1946) para formar parte del grupo. Entraron a grabar en el estudio de Capitol en diciembre de 1962, grabaron Oh, My Lover y He's So Fine con Carol King (Nueva York, 1942) al piano, y a The Tokens en el resto de los instrumentos. He's So Fine tenía unos coros que decían doo-lang, doo-lang, pero el ingeniero de sonido, Johnny Cue sugirió que empezaran la canción con esa frase. El estilo de The Chiffons destaca entre los cientos de grupos que surgieron tras el éxito del grupo femenino The Shirelles, otro cuarteto de chicas negras. El ritmo de He's So Fine es muy alegre, casí jazzy. La sofisticación madura de la voz de Judy Craig contrasta con las voces deliberadamente adolescentes de la mayoría de grupos similares.Capitol rechazó el disco por que lo consideraron demasiado trillado y simple.

Llevaron el disco a diez compañias diferentes que lo rechazaron. Pero una pequeña compañia de Nueva York llamada Laurie Records decidió publicar el disco, que salió en febrero de 1963. Dos meses después era número 1 en Estados Unidos en las listas de pop y rhythm and blues, manteniendose durante 4 semanas. Por desgracia Ronnie Mack murió poco después de cancer linfático del éxito de He's So Fine, recibió el disco de oro en la cama del hospital.

La letra de la canción relata los sentimientos de una chica adolescente hacía el chico del que esta enamorado, al que tiene totalmente idealizado.

He's so fine
Wish he were mine
That handsom boy over there
The one with the wavy hair

I don't know how I'm gonna do it
But I'm gonna make him mine
Be the envy of all the girls
It's just a matter of time

He's a soft-spoken guy
Also seems kind of shy
Makes me wonder if I
Should even give him a try

But then again he can't shy
He can't shy away forever
And I'm Gonna make him mine
If it takes me forever

He's so fine
Gotta be mine
Sooner or later
I hope it's not later
We've got to get together
The sooner the better

I just can't wait
I just can't wait
To be held in his arms

If I were a Queen
And he asked me to leave my throne
I'd do anything that he asked
Anything to make him my own

For he's so fine
So fine
So fine



He's So Fine, The Chiffons

En 1969 el beatle George Harrison (Liverpool, 1943) compuso My Sweet Lord para Billy Preston (Houston, Texas, 1943), que lo publicó en su disco Encouraging Words (Apple, 1970). pero lo publicaría a su nombre en el álbum All Things Must Pass (Apple, 1970). La melodía principal de la canción es la misma que He's So Fine, por lo que Harrison perdió un juicio por plagio contra Bright Tunes, que tenía los derechos de la canción. Según Harrison el plagio fue totalmente inconsciente por su parte. Harrison parece una adolescente enamorada de Dios, inspirado por las religiones hindues.


My Sweet Lord, George Harrison

En la grabacion de My Sweet Lord el principal músico fue el propio Billy Preston, que la incluyó en su repertorio, en una versión más cercana al soul y al gospel gracias a la voz negra, el Hammond B3 y los coros usados por Preston.


My Sweet Lord, Billy Preston

Aprovechando la publicidad del juicio The Chiffons grabaron una versión de My Sweet Lord en 1975, con una introducción de flauta y arreglos jazzísticos. En un momento del estribillo los coros llegan a decir "He's so fine".

My Sweet Lord, The Chiffons

miércoles, 29 de abril de 2009

El kazoo

El kazoo, llamado también mirlitón, es un instrumento de la familia de los membranófonos. Básicamente consiste en un tubo conectado a una membrana vibrante que modifica la voz de una persona cuando tararea a través de él. Instrumentos de este tipo se usaban durante cientos de años en Africa para modificar la voz, imitar animales o en ceremonias rituales.

En el siglo XIX un afro americano llamado Alabama Vest inventó el kazoo tal y como se conoce actualmente. Facilitó las instrucciones para fabricarlo a un relojero alemán asentado en Macon, Georgia llamado Thaddeus Von Clegg. Los primeros kazoos se patentaron y fabricaron en Eden, Nueva York, donde todavía hoy se siguen fabricando.

Aparecen kazoos en grabaciones de grupos de jazz a principios del siglo XX. En la canción Crazy Blues grabada en 1921 por la Original Dixieland Jass Band de Nueva Orleans Tony Sbarbaro (Nueva Orleans, 1897) realiza un solo de kazoo que podría confundirse con un trombón.



Crazy Blues - Original Dixieland Jass Band

En el grupo del Medio Oeste de E.E.U.U. Mound City Blue Blowers el músico Dick Sleeven toca el kazoo en sus primeras grabaciones. En 1924 graban para Brusnwick los fox trots San y Red Hot!.


San, Mound City Blue Blowers


Red Hot!, Mound City Blue Blowers

Por lo sencillo de su manejo ha sido utilizado por muchos aficionados y es facil verlo en cualquier fiesta popular en todo el mundo. En el rock el kazoo se ha utilizado sobre todo a finales de los 60, en la época de la psicodelía, ya que el aportaba un sonido extraño y poco habitual. En la canción Corporal Clegg, del disco A Saurceful Of Secrets (Columbia, 1968), del grupo inglés Pink Floyd utilizan una variedad de kazoo que tiene una varilla que permite modular las notas y que da a la canción un tono de marcha militar.


Corporal Clegg, Pink Floyd

Frank Zappa (Baltimore, Maryland, 1940) lo utiliza en varias canciones de su primer disco Freak Out! (Verve, 1966), a nombre de The Mothers Of Invention, incluida Hungry Freaks, Daddy.


Hungry Freaks, Daddy, The Mothers Of Invention

En el álbum de Jimi Hendrix (Seatle, Washington, 1942) Electric Ladyland (Reprise, 1975) se usa un kazoo en la canción Crosstown Traffic para acentuar el sonido distorsionado de la guitarra.

Crosstown Traffic, The Jimi Hendrix Experience